ROCK IN RIO LISBOA 2014

Dia 29 de Maio

Copyright: Agência Zero

Duas palavras: Rolling Stones

Em frente, três cinquentões rodam um charro. Ao lado, um grupo de adolescentes vai buscar passos do rock à gaveta. A “geração Stones” é isto: vai dos 15 aos 60, com algumas excepções. As maiores são os próprios pais – Mick Jagger e Keith Richards, de 70 anos; Charlie Watts, de 72 anos; e Ronnie Wood, de 66 anos –, que ontem inflamaram de êxtase o Parque da Bela Vista, ao longo de duas horas. Foi o maior concerto do qual Portugal tem memória, tendo em conta as 96 mil pessoas que esgotaram o recinto e que vibraram ao som dos demónios do Rock n’Roll.

Se haviam prometido um espectáculo memorável, os Rolling Stones conseguiram-no, contrariando a letra de uma das grandes faixas da noite: “You can’t always get what you want”. Surpreenderam pela companhia – Bruce Springsteen destacou-se como surpresa máxima no leque também composto por figuras como Gary Clark Jr., Mick Taylor, Lisa Fischer ou Bobby Keys –; pela genica – por mais que se esperem pernas frenéticas em palco, é sempre uma surpresa perceber que elas não tremem por um segundo; e pelo alinhamento-mestre entre o conteúdo e o enredo.

Embora as luzes se tenham virado para o momento em que Springsteen, inesperadamente, pisou o palco, as pedras começaram verdadeiramente a rolar aos acordes de “Out of control”. Jagger assim o ditou, endiabrado, acordado 40 anos mais novo, enfim, a apelar ao descontrolo.

Também os duetos de Richards e Ronnie – com “Can’t Be Seen” ou “You Got the River” – trouxeram espaços de respiração importantes ao concerto, mostrando que a banda se aguenta em uníssono num ritmo bem soprado pelo vento.

Já perto do final, ao manto encarnado de Jagger juntou-se o incêndio visual deflagrado em “Sympathy for the Devil”. Quando se grita “Please to meet you/Hope you guess my name”, duvidamos, realmente, da natureza de Mick Jagger. Algum homem de carne e osso pode aguentar em palco duas horas assim?

Memorável e de memória viva, o quarteto britânico levou o público aos insaciáveis 60’s, não fossem eles a voz de “I Can’t Get No Satisfaction”, música de encerramento em Lisboa. Tivesse pulsado este rock num rio e dançaríamos nus.

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3 em 1: Rui Veloso, Leline, Angélique Kidjo

É difícil fazer-se peito num dia em que o cartaz enverga o nome dos Stones. Mas a verdade é que as restantes actuações foram certas, com boa energia e atitude. O “Lado Lunar” de Rui Veloso começou por encher de vozes o parque ainda solarengo, embora morno, da Bela Vista. Lenine tentou aquecer os primeiros minutos, mas o calor chegou mais verdadeiro na presença de Angélique Kidjo. Foi aí que se fez um concerto de Rui Veloso com groove, atingindo o público em sorrisos na interpretação de “Redemption Song”, de Bob Marley. Mais tarde, houve também lugar para “Sodade”, da diva Cesária Évora, e assim África viveu, num Rock in Rio voltado a Sul.

Xutos, sempre Xutos

Se a quinta-feira era mesmo de rock, não poderia faltar a actuação dos Xutos & Pontapés. “Há 35 anos que fazemos tudo à nossa maneira!”, arrancaram assim os festivaleiros mais conhecidos dos portugueses, que foram delineando a noite entre clássicos aos quais o público respondeu de olhos fechados. O começo deu-se sem preparativos, pelo que ainda alguns se concentravam em pedir cervejas lá atrás e já os “Contentores” soavam do palco. “Falhas” e “Chuva Dissolvente” não impressionaram, mas a inevitável “A Minha Casinha” e “Dia de S. Receber” compensaram na medida certa.

2014 marca os 35 anos de Xutos em concertos e esta foi a sexta vez (em seis edições) que a acarinhada banda portuguesa participou no Rock in Rio. Há respeito por isso. Foi esse, aliás, o sentimento que imperou durante uma performance à-vontade, em casa, do lenço ao cabedal.

O toque de blues

Foi o músico que mais acompanhou os Rolling Stones em tournée este ano. Gary Clark Jr., o “futuro do Texas Blues” (assim foi nomeado), decidiu pisar o palco do Rock in Rio com a criação de Robert Petway, o clássico “Catfish Blues”, desviando do rock puro os acordes vindos do Palco Mundo. Arriscou bem, mas melhor ainda quando saltou para a esfera de B.B. King ou fez ressoar a guitarra em continuum nas suas canções. Da sua verdadeira praia, apostou sobretudo no mais recente álbum, “Blak and Blu”, que mistura toques de Soul, Blues, Rock e R&B.

Apesar da boa actuação, o público pareceu não vibrar. Arriscamos dois motivos para isso: a popularidade de Gary ainda não chegou com força a Portugal, para além de que, nesta noite, o norte-americano carregava a “cruz” de anteceder os esperadíssimos Stones. Missão difícil. Ainda assim, diríamos que Gary Clark Jr. abriu com diplomacia o caminho de uma possível boa amizade com os portugueses.

Texto: Rute Barbedo

Fotografia: Rúben Viegas

ROCK IN RIO LISBOA 2014

Dia 25 de Maio

É a enchente do costume. Já ninguém esperava outro fenómeno deste tradicionalmente avolumado Rock in Rio, o festival que pousou em 2004 em Lisboa, ainda menino, mas já com pretensões de fazer da Bela Vista, em Chelas, o lugar mais conhecido da capital portuguesa durante o mês de Maio.

Atravessado o descampado deste subúrbio de música vinda das janelas, penetra-se a multidão: ainda não bateram as 19 horas e a organização já calcula a presença de cerca de 30 mil pessoas no recinto. Se víssemos slot machines ao longo da Rock Street, não estranharíamos.  Centro comercial a céu aberto, a rua que atravessa esta terra cheira a Las Vegas. Nesta cidade do Rock, há também um gigantesco colchão insuflável, uma roda gigante, aulas de dança e brindes em jeito de parque de diversões, a fazer jus ao objectivo do festival.

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À boss e à portuguesa

Já depois de The Hound e Cais Sodré Funk Connection, é em acordes de hip-hop tuga que se abre o Palco Mundo. Boss AC, de calças vincadas, toma posse do microfone junto a Aurea, que agarra as curvas do corpo para incitar à dança. Apostam na cena – e na contracena – da cumplicidade. Recordamos clássicos como “Lena e “Princesa”; inglesamos com Busy for Me” e “Ok Alright”. Mas é já na recta final que o inevitável acontece: “Sexta-feira” volta a arrancar a simpatia e a garra do público, na ironia de que a culpa da crise é do povo, sedento de “brincadeira”. Para rematar, a dupla despede-se com uma cópia (opção artisticamente duvidosa, mas a marcar pontos no campo do entretenimento): o êxito “Happy”, de Pharrell Williams, esgota os trunfos e faz galgar as endorfinas de uma massa sedenta de hits.

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Faith para Paloma

Diríamos, com segurança, que o melhor da actuação da britânica Paloma Faith é a imagem. A performance ganha no padrão xadrez que traz vestido – com boina à mistura –, mas ao fechar os olhos, pouco sobra de entusiasmante. Empenhada em mostrar, sobretudo, as canções do seu trabalho mais recente, A Perfect Contradiction, é mais uma entertainer a homenagear (ou a utilizar??) o sucesso de Pharrell Williams  (com “Can’t Rely on You”) para pintar de vigor a sua prestação.

Mas, do público também se ouve a desculpa: “Queremos é o Robbie Williams!” Anteceder o cabeça-de-cartaz da noite não é para todos. Ainda assim, a cantora-actriz fez bem em manter-se descalça sobre o palco: segredo para uma actuação certa, sem falhas, e com os pilares soul a darem-lhe cordas (vocais) e um background envolvente.

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O "rei" Robbie 

Já passa das 22h quando o ex-Take That Robbie Williams sobe ao Palco Mundo para se fazer mostrar na sua fatiota meio Fred Astaire, meio Frank Sinatra. Já se esperava – “Robbie Williams Swings Both Ways” dá o nome ao espectáculo – um sujeito clássico, confiante e temperado, com marcas de mestre do entretenimento, tal como o próprio se vende em época de boa cotação no mercado.

Apesar de curta para os fãs (o concerto durou 1h20min), a performance ganhou pontos com o humor britânico e a permanente interacção de Robbie com o público. Admitiu ter comido imensos chocolates antes de subir ao palco, assumiu-me um velho gordo, pediu ao público que gritasse “Robbie, não engordes outra vez!”. E tudo isso resulta lindamente. Umas 23 mil pessoas vibram à sua frente (calcula-se, tendo como referência as quase 60 mil entradas no recinto), mas, mesmo assim, ele consegue fabricar um ambiente caseiro.

Diríamos que o segredo de Robbie Williams é o seu empenho. Ele gosta do que faz como ninguém, sabe provocar e propõe-se, concerto após concerto, aos desafios mais tortuosos, como cantar a “New York, New York” de Sinatra. É claro que para além de homenagear clássicos – os Queen, com “We will rock you”; Lou Reed, com “Walk on the wild side”; ou Ray Charles, com “Hit the road, Jack” –, também sabe presentear o público com canções feitas para o seu timbre: “Come Undone” e “Rock DJ”, por exemplo, fazem-nos lembrar quem ouvimos. 

Travadas as músicas a meio e a noite de 25 de Maio seria um consistente medley das grandes canções da vida de Robbie, “rapaz” que esquecemos ter pertencido a uma boys band para considerarmos um “descontraído senhor do palco”.

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A meia-noite de Ivete 

É inevitável falar de Ivete Sangalo sem dizer bem alto: “Tira o pé do chão!” A diva brasileira faz-nos lembrar de onde, afinal, vem o Rock in Rio. Mas, apesar dos 20 anos (de carreira) a mandar tirar o pé do chão, não é só de “Poeira”, axé e samba que Ivete faz a sua parte da noite: “Careless Whisper”, dos Wham! (que já havia cantado no Carnaval de Salvador, este ano) espanta com um suor bem mais interior que o esperado. Talvez não pudesse ser melhor a declaração de amor ao público:  “I'm never gonna dance again, the way I danced with you”…

Pode a idade inteira do mundo passar-lhe por cima, como já denuncia o guarda-roupa curto e desafiante, que a energia nunca lhe passa ao lado. Se são 20 anos de carreira, são também dez de Rock in Rio e muita pujança de pernas e braços deste furacão da Bahia. É por isso, certamente, que a multidão esquece de que a segunda-feira de trabalho já entrou em palco. Ivete tem esse poder: reaviva a vontade de dançar num público com uma série de concertos em cima. 

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Vodafone Mexefest 2013

29 e 30 de Novembro

"Um desfibrilador de inverno"

Muitas lotações esgotadas. Sinal excelente: de que a malta anda sedenta de música. Sinal fraco: o de um festival com mais bilhetes do que capacidade. O fim-de-semana do Vodafone Mexefest, a 29 e 30 de novembro, foi de buliço ofegante entre a avenida da Liberdade e a rua das Portas de Santo Antão, em Lisboa. À sexta edição, o conceito permanece brutal: pôr o mundo a correr ruas para 14 salas, muitas delas espaços emblemáticos da capital. Entre paredes, os elogios vão para as Savages.

Dia 29 de Novembro:

Savages: punk de salto alto

Ouvir o álbum “Silence Yourself” em casa é uma experiência assustadoramente aquém de ver as Savages ao vivo. Porque o quarteto de Londres é isso mesmo: vivo, orgânico, forte no olhar, de uma feminilidade cortante e palavras que nos inflamam as ganas. Atitude punk. O Coliseu está cheio para assistir ao concerto das quatro miúdas vestidas de preto e o momento revela-se um espetáculo completo, desde o poderoso baixo manipulado por Ayse Hassan até às dádivas de silêncio protagonizadas por Jehnny Beth –  perfeitamente equilibrada num salto alto que não é para todos.

À terceira faixa, já ninguém arreda pé da memória pós-punk sugada aos anárquicos anos 1970 de Manchester. Entramos num cenário em que a francesa Jehnny não deixa, por um segundo, pensar que não são dark days aquilo que vivemos. Ainda assim, olhamos para a guitarra de Gemma Thompson (que deu, em 2011, o nome à banda) e vemo-la azul celeste.

“I see some happy faces down here”, atira Jehnny, para se lançar de seguida num tom “orgásmico”, que deixa o público vibrante. As Savages já tinham atuado em Portugal este ano, no Primavera Sound, e já haviam surpreendido a crítica, em boa parte pela postura. Esta é uma banda que quer calar o digital para chamar a vida. No concerto de Seattle, em abril, as regras eram estas: “no Instagramming, no video, no tweets”. O quarteto de Londres não é nem quer ser pop – muito menos pop-up –, por isso, está-se a lixar para “instagrams”. “A música das Savages' situa-se fora do plano das tendências atuais”, escreveu a Pitchfork, classificando o grupo como “brutalmente austero”. E nós concordamos.

Estamos a meio do concerto e, lá atrás, na bateria, o rabo-de-cavalo de Fay Milton abana freneticamente. Das mãos de Gemma sai um riff que não nos larga o pé. O público pede mais e elas sabem desobedecer. Atitude punk. Respiram no silêncio, observam a multidão que ergue os braços na sala circular. “Don’t worry about breaking my heart, ‘cause you have no face”, canta Jehnny, grave. E na altura em que muitos começam a abandonar o Coliseu, a vocalista pergunta se querem mais. A resposta é um “tomem lá!”, sem respirar, pontuado por um baixo acelerado, curto e grosso. Jehnny sobe as grades e dá a mão ao público. Atitude punk.

O concerto culmina com “Don’t let the fuckers get you down”, música certa para tempos de crise. A plateia parece concordar com o mandamento das Savages: não deixemos que nos tirem a alma.

John Grant: lotação esgotada

Para quem chega a meio do concerto do norte-americano John Grant, um dos nomes fortes do cartaz, num Cinema São Jorge lotado, definir-lhe o género musical torna-se o enigma do ano. A balada ao estilo Elton John parece irritar o próprio músico, que decide saltar para as teclas e propor a um público bem coordenado a endiabrada “Pale Green Ghosts”, que oferece o título ao seu álbum mais recente, lançado este ano. O público aproveita para saltar das cadeiras e arrojar-se numa dança que nem o vocalista esperava. “Os portugueses são do caraças”, indagará Grant, enquanto pulsa o teclado e observa a transformação do espaço refinado numa pista de dança.

Mas rapidamente o ex-vocalista dos Czars volta ao seu registo cancioneiro, como quem diz ao público para se lembrar de onde está. As cadeiras do São Jorge regressam ao aconchego das melodias breves, algures entre a folk e a pop. O certo é que Grant, com o seu gorro descomprometido e ar da “street”, parece um tipo acessível, direto e sem grandes subterfúgios, o que o aproxima do público.

É notório: há um traço de raiva e outro de redenção em Grant. Se num minuto nos canta “I am the greatest motherfucker that you’re ever going to meet”, no outro, amolece-nos com “My love has constructed with his arms for me the safest place”. Diríamos que a inconstância de Grant passa da vida para a música. Sentimo-lo um pouco perdido, até. Ainda assim, o público pareceu gostar de se perder com ele.

Glasser, ou mesmo glacial

Suspeita-se que as temperaturas negativas que se fazem sentir na Dinamarca, terra-mãe de Glasser, aqueceriam mais do que os pouco mais de 20 espectadores deste concerto à boca da Estação Ferroviária do Rossio. Esta pop eletrónica e etérea merecia mais. Mais calor, mais público, mais entusiasmo. Ainda experimentamos os primeiros minutos de concerto e essa ausência de faísca já fomenta uma timidez castradora nos interstícios de Cameron Mesirow, confessora de alguma fragilidade no que toca à sua relação com o espaço público. No final, estamos perante um corpo retraído em ambiente glacial.

Os dois álbuns de Glasser, “Ring” (considerado um dos melhores de 2010) e “Interiors”, têm deambulado entre reflexões à volta do mundo dos sonhos e da relação com o exterior. Ritmicamente, as canções recorrem ao minimalismo e à repetição, como se tratassem as obsessões mais íntimas da vocalista. Globalmente, a música é difícil de categorizar. Desagua num terreno sem fronteiras, poroso e respirado por uma percussão inflexível e uma voz licorosa.

É curioso que o nome Glasser nos transporte para um universo de vidro, delicado e transparente como a voz de Cameron. Mas, na verdade, trata-se da senha dinamarquesa para dizer “óculos”. A isto respondemos que Glasser obriga-nos a observá-la mais de perto, de uma próxima vez.

Woodkid: Sensacional aka Sensacionalista

Não se trata de consenso, mas de opinião: Woodkid é um fenómeno bem menos áudio do que visual. Yoann Lemoine tornou-se rapidamente um sucesso incontestável do mundo da música – e isso di-lo um coliseu bem cheio, de pulso ansioso pelas primeiras notas – mas a sua praia ( e a sua origem) é o vídeo. Foi, aliás, como realizador de clips para Lana del Rey, Katy Perry ou Rihanna que o francês se destacou no mundo do espetáculo.

                  Ainda se faz a entrada no palco do Coliseu e Woodkid já ganhou o público português. Os primeiros 30 segundos são uma plateia rendida ao tom épico do músico de guarda-roupa hip-hop. O espetáculo é imponente, torna os observadores atentos, e o jogo de luzes é uma orquestra afinada e utilizada ao detalhe pelo protagonista. O pano de fundo, sempre em movimento, toca o cinema fantástico. Com Woodkid, tudo é em grande: não vemos colinas mas montanhas; não vemos capelas mas catedrais; não ouvimos coros mas orquestras. As luzes seguem sempre para cima e os braços erguem-se ao alto, pelo que o público não tem como ficar no chão.

                  Aos dez minutos, a audiência está pasmada. Assiste-se ao impensável e não se questiona: se há dois putos no palco em fatos hip-hop a tocar trompete, é porque hoje, tudo se mistura. Se bem que não vimos qualquer fusão. “Woodkid sabe como dar um espetáculo, mas não há sangue nas suas músicas”, criticou o The Guardian e nós assinamos por baixo. Mas o público, esse, dá-lhe o sangue que for preciso.

Dia 30 de Novembro:

Daughter: filhos de uma geração

Por vezes, uma banda concentra-se no vocalista e é um pouco isto que acontece aos Daughter. A voz de Elena Tonra é como a blusa que veste: de seda. A vocalista seduz-nos com leveza e elegância, na sua timidez adolescente. Ainda assim, como equipa, os londrinos equilibram-se bem, com a guitarra de Igor Haefeli e a bateria de Remi Aguilella.

Neste indie-pop-rock, as canções são sensuais e emocionais. E se a voz de Elena nos põe o coração doce, a percussão de Remi vai aos membros para nos fazer dançar. Na segunda noite do Vodafone Mexefest, os Daughter protagonizam um concerto certinho, sem falhas, sintoma de um grupo que dá os primeiros passos na música a apalpar terreno.

Trata-se da estreia da banda inglesa em Portugal, pelo que o coletivo mostra-se surpreso com um público português conhecedor das suas letras e variâncias rítmicas. A terceira faixa, “Love”, confirma que os Daughter fazem música cardíaca, de batimentos bem coordenados com as luzes. A guitarra elétrica toca-se com o arco, a bateria assume a linha da frente e já mais para o fim do concerto, quando o amor ganha protagonismo absoluto, voltam-se os isqueiros para o ar e as letras são seguidas sem cábula. Nos intervalos, Elena solta um riso nervoso e terno, presa a uma insegurança postural que, curiosamente, assenta bem ao trio.

Com este concerto, Daughter afirma-se entre a juventude vivaça do festival; não há dúvida. E se voltarem para o ano a Portugal, arriscamos uma casa novamente cheia.

Erlend Øye: a estrela foi o público

Loirinho, branquinho e de calças cor de salmão, o par de Eirik Bøe nos Kings of Convenience veio a Lisboa tocar música para meninos. E meninas. Como é hábito, aliás. O objetivo de Erlend Øye é não deixar que ninguém se aproxime da rebeldia da adolescência ou da escuridão da idade adulta, para apreciar esse amor de infância que o compositor norueguês deposita nas suas canções. À espera de Øye está um Cinema São Jorge lotado, desde cedo, mostrando que, também na prática, este é um dos grandes nomes do cartaz.

                  Modéstia, simplicidade, bom humor e placidez são as grandes qualidades do cantor que, entre faixas, se põe a tecer elogios a um festival capaz de abrir salas emblemáticas da cidade para a cultura e para as pessoas.

Fundir os ritmos da bossa nova ao indie-folk é obra que o músico já desempenha com destreza. A isso, junta um enorme à-vontade em palco e uma interação fenomenal com as pessoas. É como se, de repente, o São Jorge fosse o quarto de Øye e estivéssemos ali a contemplá-lo, com os cotovelos sobre a mesinha de cabeceira. Tudo isto com um ritmado sentido de humor, ao qual o público reage brilhantemente.

Para além de Erlend Øye e da plateia, uma outra estrela brilha no São Jorge: o flautista Victor Abrahamsson, numa noite em que a lei da gravidade não abona a seu favor. Caído o microfone três vezes consecutivas, Victor é alvo da compaixão portuguesa com palmas e vozes que repetem o seu nome em uníssono. A meio do concerto, a performance de Victor é já uma “private joke” entre os artistas e o público. Mais uma faixa e Victor dá lugar ao italiano Maurizio para alegrar a sala. O guitarrista inicia-se com “Grande Grande Grande”, a canção romântica pintada pelo italiano arranhado (mas nada mal para um norueguês) do vocalista. “Ti odio e poi ti amo, poi ti amo, poi ti odio e poi ti amo”, canta Øye. Mas o público parece amá-lo sem interrupções, incondicionalmente.

Braids na Casa do Alentejo

Enquanto, mesmo ao lado, o Ateneu Comercial de Lisboa está concorrido para ver os bracarenses peixe : avião, a Casa do Alentejo chega a erguer a placa de lotação esgotada desde os primeiros acordes dos Braids. As luzes sanguíneas no salão de festas não podiam condizer melhor com este rock chuviscado pela eletrónica e pelo dubstep (há quem os coloque na esfera do dream-pop, do art-rock ou, ainda, de ambos).

Há entrega e movimento na performance dos Braids, o que cria uma plateia atenta e respeitadora. Mas a forma introspetiva com que o trio atua perfila uma quebra na relação com a massa humana. Ao som pujante e translúcido da banda de Montreal, o público reage estático, ficando-se pelo movimento pendular dos pés.

                  Entre a voz, guitarra, baixo, teclado e bateria, os Braids (substitutos do norte-americano Autre Ne Veut no Mexefest) produzem um som que a crítica tem acompanhado favoravelmente, mas sem grande entusiasmo. É o que acontece neste concerto em Lisboa, que serviu, sobretudo, para mostrar as canções do álbum mais recente, “Flourish // Perish”. Missão cumprida.

Eles dizem Oh Land; nós dizemos Oh God!

Nos acordes finais do Vodafone Mexefest, subimos a escadaria da Estação do Rossio para dar de caras com um cenário típico de enchente em dia de greve de comboios. Ninguém esperaria que, às 23 horas de um frio considerável, a dinamarquesa Oh Land conseguisse arrastar uma multidão assim.

                  Se o público aguardava Oh Land em frenesim, foi fácil envolvê-lo. O cenário também ajuda: o iluminado castelo de São Jorge é pano de fundo para as faixas de “Wish Bone”, o mais recente álbum da intérprete dinamarquesa. Mas é “Son of a Gun”, do disco de 2011, o momento em que mais se dança. Como a própria sublinha, é preciso mexer para aquecer, portanto, nem de um lado, nem do outro, se perde tempo. E assim se constrói o núcleo desta performance: sem grandes esforços.

Entre a pop e a disco, Oh Land é sexy, mexe-se bem e descontrai. Mas é pobre. Do concerto, desenrola-se um misto de histerismo e liberdade ao ar livre, sobretudo para quem já tem os pés soltos ao cabo de umas cervejas. Mas para quem está a água, Oh Land não mata a sede.

Texto: Rute Barbedo

SILENCE 4 

MEO ARENA

5 de Abril de 2014

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Fotografia: Rúben Viegas

VAGOS OPEN AIR 2013

10 de Agosto

WEB

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TARANTULA

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ROTTING CHRIST

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ICED EARTH

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GAMMA RAY

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TESTAMENT

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Fotografia: Rúben Viegas

VAGOS OPEN AIR 2013

9 de AGOSTO

SECRET LIE

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BIZARRA LOCOMOTIVA

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MOONSORROW

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EVERGREY

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SONATA ARCTICA

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LACUNA COIL

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Fotografia: Rúben Viegas